Les Clionautes

Métallurgic Park en Haute-Marne

Christine Galopeau de Almeida — 2010-08-06T17:18:56Z

Ouvert depuis début juillet 2010, cet ensemble de lieux à proximité de la ville de Saint Dizier et du lac du Der, est consacré à la métallurgie en Haute-Marne.

Plusieurs sites sont ouverts (ou bientôt ouvert) au public.

La première étape se situe à Dommartin-le-Franc :

L'accès actuellement n'est pas très facile car la signalétique est totalement absente, il faut bien chercher ! C'est le panneau haut-fourneau qui permet de trouver. Mais on nous a assuré que cela se mettait en place. A part ce petit problème, les lieux et les gens sont accueillants, et ce qu'on visite est passionnant. La visite guidée ne coûte qu'un euro de plus par personne et vaut le coup pour les explications techniques y compris pour les enfants (durée une heure et demie). La muséographie est résolument actuelle avec mise en scène d'une coulée fictive, bornes de consultation de documents, animations, photos, vidéos ...

On commence par le parc à minerai où était stocké le minerai de fer, avec juste à côté l'emplacement du bocard et du patouillet qui permettaient de concasser les blocs de minerai puis de les nettoyer dans un petit canal.

Les entreprises de fonderie actuelles qui sont partie prenante du projet ont prêté un certain nombre de leurs réalisations comme un contrevent réalisé pour le viaduc de Millau ou une pièce de TGV ! On peut les voir à l'extérieur.

La pièce majeure est la halle de coulée avec le haut-fourneau qui a fonctionné de 1835 à 1885. Il a été conservé et est classé à l'Inventaire Supplémentaire des Monuments Historiques depuis 1986. Il a été sauvé et réhabilité par une association l'ASPM.

La scénographie permet de se rendre compte de l'ensemble des opérations nécessaires depuis le chargement du haut-fourneau en passant par le chemin rampant qui permet d'accéder au gueulard (la partie haute) jusqu'à la simulation d'une coulée. Ici la coulée avait lieu au bout de 8h avec 1500 tonnes de fonte produite.

Des pièces exposées permettent de comprendre le principe du modelage, du noyautage, du moulage, de la coulée et de la finition.

Une maquette du haut-fourneau permet à chacun de mieux comprendre le fonctionnement de celui-ci.

Des vitrines présentent les différents métiers liés à l'activité ainsi que le village de Dommartin au XIXè siècle. En 1847, le village abritait deux usines et trois hauts-fourneaux qui participèrent à élever le département au premier rang des producteurs français de fonte au bois et de minerai. 90 hauts-fourneaux (dont 20 dans la Vallée de la Blaise sur une quarantaine de kilomètres) et environ 200 usines employant 16 000 personnes y produisirent 86 000 tonnes de fonte et de fer.

Quelques pièces produites à l'époque sont exposées.

La halle à charbon a été reconvertie en salles d'exposition permanente et temporaire.

On peut y parcourir l'histoire de la métallurgie haut-marnaise depuis le bas fourneau utilisé dans l'antiquité jusqu'à aujourd'hui. On s'informe sur :

Le bassin métallurgique de la région avec la présence du minerai, des forêts pour la fabrication du charbon de bois et de l'eau. Les hauts fourneaux ont été remplacés par des fonderies pour la production seconde fusion (réduction du minerai de fer en fonte et élaboration, à partir de lingots de fonte refondus, de produits finis, moulés dans du sable).

Les productions des fonderies d'art à la fois du XIXè siècle à aujourd'hui (fontaines Wallace, mobilier urbain, entrées de métro Guimard) et ce, dans le monde entier.

Les métiers d'aujourd'hui avec de courtes vidéos de témoignages d'hommes et de femmes tous passionnés. Très intéressant pour les élèves car on voit leur parcours !

Un cube ou "boîte à images de 49 m²" permet au visiteur de se plonger dans l'univers des fonderies d'aujourd'hui.

Les autres étapes possibles

(mais que je n'ai pas vues) sont situées à proximité, voici leur présentation par le dossier de presse :

Sur les sentiers de la Vallée de la Blaise

Territoire de vallées et de cours d'eau, maillé de chemins de randonnée, le Nord de la Haute-Marne vous invite à explorer sa nature, ses villages, sa vocation industrielle. De lavoir en village, l'histoire industrielle du territoire s'offre aux visiteurs. (des fiches sont téléchargeables sur le site)

Les minières de Poissons, à l'origine du voyage…

Au coeur de la forêt, un parcours d'interprétation mène les visiteurs jusqu'aux minières, pour y découvrir d'anciens gisements de minerai de fer, dans une configuration géologique rare.

Et le dernier site qui sera ouvert fin 2010 : Vecqueville, le témoin d'un développement industriel

De cette commune, des pièces monumentales de haute technologie partent chaque jour dans le monde. On y découvrira l'histoire de l'usine, autour des vestiges du dernier haut-fourneau circulaire du XIXe siècle.

Informations pratiques :

Comment s'y rendre ?

De Reims : A4, sortie n°27, Châlons-en-Champagne (la Veuve), puis RN 44 vers Saint-Dizier,

De Troyes, sur l'A5, sortie n°22 : Magnant-Vandoeuvre,

De Langres, sur l'A5, sortie n°24 : Chaumont-Semoutiers

De Nancy/Metz sur l'A31, sortie n°12 : Bar-le-Duc puis RN4 vers Wassy.

Coordonnées :

13, rue du Général Leclerc

52110 DOMMARTIN-LE-FRANC

Tél : 03 25 04 07 07

E-mail : parcmetal52com@orange.fr

Horaires :

Saison haute (du 01/06 au 30/09) :

du mardi au dimanche, de 10h00 à 13h et de 14h à 18h30.

Saison basse (du 15/04 au 31/05 et du 01/10 au 30/11) : du mardi au dimanche, de 14h à 18h.

Hors saison (sur rendez-vous).

Visite avec des élèves :

Un espace pédagogique est disponible et un enseignant est détaché (pour quelques heures) pour ce service.

ressources en ligne

- le site métallurgic park

- le site de l'APIC : Association pour le Patrimoine Industriel de Champagne-Ardenne

- le site du Réseau international de la fonte d'art

la revue Fontes de l'association ASPM a édité un n° consacré au haut-fourneau de Dommartin, il est vendu sur place mais on peut aussi le commander en ligne

De l'eau pour Paris ! Haussmann/Belgrand naissance d'un service public

Christine Galopeau de Almeida — 2010-07-27T12:32:54Z

Le pavillon de l'eau à Paris présente une exposition permanente sur l'histoire et la situation actuelle de l'alimentation de l'eau à Paris.

Une exposition temporaire est visible au rez-de-chaussée, elle se déroule jusqu'au 29 janvier 2011 et a pour titre De l'eau pour paris ! Haussmann/Belgrand, naissance d'un service public.

Qui était Eugène Belgrand (1810-1878) ?

Un ingénieur des Ponts et Chaussées, qui par ses travaux en Bourgogne Etudes hydrologiques sur le bassin supérieur de la Seine avec ensuite l'alimentation de plusieurs villes de l'Yonne grâce à la dérivation d'eaux de source, est appelé à Paris par Haussmann dont il devient l'un des principaux collaborateurs. Il le nomme en 1852 ingénieur en chef de la navigation de la Seine entre Paris et Rouen, puis en 1856, directeur du services des eaux de la ville de Paris. En 1867 il est Directeur du service des eaux et égouts de Paris. En 1871, il reçoit la croix de commandeur de la légion d'honneur pour avoir continué à assurer pendant le siège de Paris, malgré les difficultés, le mouvement des eaux, des égouts et des vidanges.

Il a étudié l'histoire de l'alimentation en eau de la ville de Paris depuis l'époque gallo-romaine jusqu'à la fin du XVIIIè siècle. Au cours des travaux d'aménagement qu'il a dirigé il a mis au jour des objets, traces des premiers habitants du bassin parisien. C'est donc aussi un géologue, un archéologue et un collectionneur.

Mais ce qu'on lui doit principalement c'est la conception et la mise en œuvre de l'alimentation en eau de Paris avec la recherche des sources, la conception des aqueducs, des réservoirs et du réseau de canalisation nécessaire pour acheminer l'eau chez tous les parisiens. Il est également le « père » du réseau d'égouts modernes parisien. C'est un réseau conçu selon un principe qui serait unique au monde, à savoir des galeries visitables qui permettent une mise en place et un entretien facilités.

L'exposition permanente permet de découvrir l'origine puis la création du réseau d'alimentation en eau de Paris.

Dans la seconde moitié du XIXè siècle les besoins en eau de la capitale augmentent énormément (accroissement démographique, développement industriel et nouveaux critères d'hygiène et de santé publique). Pour mettre en place de nouvelles solutions vont s'affronter les partisans de l'eau de rivière et ceux de l'eau de source comme Haussmann. Les eaux de rivières étaient très polluées à cette époque, des déchets de toutes sortes y étaient déversés.

Grâce aux travaux de Belgrand Recherches statistiques sur les sources du bassin de la Seine qu'il est possible de conduire à Paris , Haussmann en suit les conclusions. Les eaux de surface représentent trop de risques sanitaires et ne doivent pas être utilisées pour des usages domestiques (usages privés) mais réservées à l'usage public c'est à dire l'entretien et l'embellissement de la ville (fontaines, arrosage, lavage des rues..). Il fait adopter alors par le Conseil Municipal du 12 janvier 1855, le principe de deux réseaux séparés. Le réseau privé est à créer, sa réalisation complète sera achevée en 1924 !

L'exposition permet ensuite de connaître les sources choisies et leur captage : la plus ancienne la Duis dans la région de Château Thierry dès 1862 puis celle de la vallée de la Vanne en Bourgogne en 1866 , d'autres suivront après la mort de Belgrand.

Belgrand a aussi conçu des aqueducs pour acheminer l'eau jusqu'à la capitale. Il a repris un procédé similaire à celui des aqueducs romains. On aura ainsi l'aqueduc de la Duis, celui de la Vanne, et à la fin du XIXè siècle les aqueducs de l'Avre, du Loing puis celui de la Voulzie. Ils sont toujours en service, mais celui de la Duis approvisionne Marne la Vallée et Eurodisney depuis 2000.

Aujourd'hui Paris est approvisionnée pour 50% en eau de sources, l'autre moitié provient des eaux de la Seine et de la Marne traitées dans les usines de Joinville et d'Orly.

Il faut aussi stocker l'eau dans des réservoirs à une hauteur supérieure à celle des quartiers qu'il doit desservir afin d'obtenir une pression suffisante et jouer ainsi le rôle de château d'eau. Le premier date de 1845, d'une capacité de 1000 m3, il permettait de stocker l'eau captée sur le plateau de Rungis et acheminée par l'aqueduc Médicis. Belgrand s'en est inspiré et a créé entre 1860 et 1870 de grands réservoirs pour stocker l'eau dérivée des sources (réservoirs de Ménilmontant, Belleville, Montmartre, Montsouris), mais aussi pour stocker l'eau non potable. Depuis Belgrand la capacité de stockage a été largement augmentée grâce à la construction de nouveaux réservoirs.

Une section de l'exposition présente ensuite les tuyaux et canalisations nécessaires à la distribution de l'eau. Ces tuyaux en fonte seront installés par Belgrand dans les galeries des égouts qui ont été conçues pour être entièrement visitables. Ce système permet encore aujourd'hui d'avoir accès très rapidement aux canalisations et de procéder aux réparations si nécessaire sans avoir de pertes conséquentes. Deux conduites différentes seront installées : l'une pour l'eau potable, l'autre pour l'eau non potable. Voir en document joint, le texte de Belgrand à propos de cette réalisation.

En fin d'exposition des panneaux montrent les progrès de l'hygiène avec l'apparition des éviers, salles de bain et toilettes chez les particuliers, l'accès à l'eau potable publique avec les fontaines Wallace du nom de Richard Wallace qui a offert à la ville les 50 premières après le siège de Paris par les Prussiens et la Commune en 1870 et 1871. La première sera installée boulevard de la Villette en août 1872. Aujourd'hui il y a 953 fontaines à boire dont 120 fontaines Wallace !

Comme le Pavillon de l'eau est le lieu de communication de l'Eau de Paris, un panneau explique l'histoire de la gestion de l'eau depuis le XIXè siècle, pour arriver au 1er janvier 2010 ou la gestion de l'eau est passée d'une gestion privée à une régie de la ville de Paris. L'ensemble du service de l'eau, de la production à la distribution est aujourd'hui géré par Eau de Paris.

Pour ceux qui n'auraient ni le temps ni l'envie de suivre toute l'exposition, un espace permet en quelques panneaux d'avoir une chronologie de la période gallo-romaine avec le premier aqueduc jusqu'à aujourd'hui, une carte de Paris et des sources d'approvisionnement ainsi qu'un plan précisant l'origine de l'eau dans chaque arrondissement. Enfin un panneau présente le métier de porteur d'eau et un autre s'attarde sur les fontaines à boire.

Informations pratiques :

Pavillon de l'eau
77, avenue de Versailles
75016 PARIS

métro Mirabeau

entrée gratuite

Pour tous renseignements : 01 42 24 54 02

site Eau de Paris

Avec l'espace pédagogique encore peu fourni.

Pour les visites scolaires il faut réserver

Pour les individuels, une proposition originale existe, les Parcours de l'eau. Ce sont des parcours commentés dans certains quartiers de Paris avec l'eau comme fil conducteur. Les Parcours retracent l'histoire de l'eau à Paris depuis les Romains qui ont conduit, au IIe siècle, les premières eaux de sources à Paris par l'Aqueduc de Lutèce jusqu'aux installations les plus modernes actuellement en fonctionnement.

Ces parcours sont gratuits, pour certains il faut s'inscrire. Tous les détails avec les thèmes, les jours et les horaires sont en ligne.

Tour Jean sans Peur, expo : Le Moyen Age en BD

Christine Galopeau de Almeida — 2010-07-26T12:53:17Z

L'exposition temporaire se déroule jusqu'au 14 novembre.

Le thème retenu, permet de se rendre compte que le moyen Age est un sujet d'inspiration très fréquent dans les "illustrés" d'autrefois comme dans la BD d'aujourd'hui.

Les grands thèmes abordés sont les suivants :

- Ambiances médiévales où l'on se rend compte que les décors et costumes utilisés sont plutôt stéréotypés avec des chevaliers, des guerriers, des archers, des princes mais peu de femmes et très peu de pauvres. Le château est le décor omniprésent, les chevaliers sont toujours en armure et les femmes ont un hennin de taille démesurée ! Quand à l'action on a beaucoup de batailles, de croisades et de combats.

- Un Moyen Age exemplaire : le Moyen Age est propice à l'évasion de type romanesque mais cela n'empêche pas l'enseignement, l'instruction morale et civique, voire l'endoctrinement !

On pratique beaucoup le comique, l'humour et même la parodie en particulier dans les années Pilote avec par exemple saint Itchecoque et saint Mesquin chez Greg.

Dans la section intitulée "pour apprendre" on se rend compte que le souci d'instruire est très présent avec un discours éducatif qui n'est pas à l'abri des clichés. Les années 1970-1980 réexaminent le Moyen Age sous l'influence de la Nouvelle Histoire et les auteurs de BD s'ouvrent à l'histoire de la vie quotidienne, au genre féminin, à l'histoire des minorités...

La section intitulée "Travail, famille, patrie" met en valeur le devoir d'éduquer qui ressort des différentes productions : le patriotisme, le sentiment national sont très présents.

En Italie des années 30, l'utilisation du Moyen Age est réactivée dans la politisation des enfants, aux Etats-Unis, Prince Vaillant mobilise les Américains contre les Huns, sobriquet donné aux allemands depuis la 1ère guerre mondiale ! Dans la France de Pétain, un illustré pétainiste, Robinson, montre des barons prêtant serment à Charlemagne le bras tendu !

Après la seconde guerre mondiale, les héros sylvestres se multiplient comme un écho de la Résistance armée. En France chaque maison d'édition aligne un ou deux héros médiévaux qui incarnent sa ligne de pensée ou une opinion politique.

Après mai 68, le Moyen Age toujours présent par exemple dans Pilote, trouve un nouveau public. Des planches originales de Daniel Billon sont d'ailleurs exposées ici.

- Un Moyen Age épique Cette partie explore le "panthéon des héros médiévaux de la BD" et analyse les choix stratégiques qui ont été faits par les auteurs

- les sources documentaires Les dessinateurs évoquent les vestiges du passé avec l'architecture, les textiles (la tapisserie de Bayeux), les enluminures et de plus en plus grâce aux expositions virtuelles en ligne (par exemple celles de la BnF). ils utilisent aussi les catalogues et les publications des fouilles archéologiques pour avoir des exemples d'objets de la vie quotidienne.

Deux panneaux intitulés "arrêt sur image" mettent en parallèle les sources des dessinateurs et les dessins réalisés ensuite.

Une sorte d'appel est lancé aux dessinateurs pour que les erreurs et poncifs les plus communs soient corrigés !

La conclusion analyse les représentations du Moyen Age aujourd'hui avec comme idée principale que le Moyen Age est devenu un jeu de rôle, grandeur nature, un Moyen Age imaginaire.

En descendant dans la "cave" de la tour un supplément est consacré aux Ducs de Bourgogne en BD avec les deux principaux personnages ; Jean sans Peur et Charles le Téméraire.

Dans cette exposition, comme dans la Tour, les enfants ne sont pas oubliés :

Un parcours-jeu est proposé aux enfants sur le site de Paris Mômes et leur permet de participer à un petit concours !

des facs similés de quelques albums anciens sont consultables sur des petites tables d'écolier : on peut par exemple lire Bigoudi à travers les âges, avec bien sûr comme épisode , le Moyen Age

et au rez-de-chaussée de la tour, un "coin lecture" avec des coussins a été aménagé et permet aux enfants de patienter si les adultes n'ont pas fini de lire les très nombreux et très (trop ?) denses panneaux de cette exposition.

On peut acheter sur place le livret l'exposition dans lequel on retrouvera l'essentiel des textes.

Ressources en ligne :

- le site de la Tour Jean sans Peur

- l'article de clio expos sur la tour Jean sans Peur

Les catacombes de Paris

Christine Galopeau de Almeida — 2010-07-26T09:50:48Z

Les catacombes de Paris, un lieu pas commun, pourquoi aller les visiter ?

Il y a les cataphiles qui s'y introduisent clandestinement, mais on trouve aussi des curieux qui viennent pour l'ossuaire, de nombreux touristes étrangers etc ...

Pour ceux que l'histoire de Paris intéressent, c'est à voir. Différentes possibilités existent. La plus complète est la visite conférence : En plus de 2h on marche pendant 2km environ et on découvre tout un univers. Lien vers le site de la mairie de Paris avec toutes les infos utiles et une petite vidéo

Que peut-on voir ?

On y découvre le travail des ouvriers des carrières, et de l'inspection Générale des carrières qui est chargée de surveiller le sous-sol de Paris car des effondrements sont possibles, avec la formation des "cloches de fontis". Des consolidations ont été réalisées depuis le XIXè siècle et les derniers travaux datent du début des années 2000.

L'ossuaire municipal remonte à la fin du XVIIIe siècle, il a été créé pour des raisons d'hygiène publique. Le cimetière des Innocents (près de Saint-Eustache, dans le quartier des Halles, à côté de la fontaine des Innocents) avait été en usage pendant près de dix siècles et était devenu un foyer d'infection pour tous les habitants du quartier. Les corps étaient ensevelis dans de grandes fosses avec un simple linceul, de la chaux et un peu de terre. Une planche de bois servait de fermeture provisoire jusqu'à ce que la fosse soit remplie ! Après de nombreuses plaintes, le Conseil d'État, par arrêt du 9 novembre 1785, prononça la suppression et l'évacuation du cimetière des Innocents. Cette évacuation se fit de nuit, avec des charrettes recouvertes de draps noirs. Puis progressivement au fur et à mesure de la fermeture des cimetières pour raison d'insalubrité ont été transférés les restes de 6 millions de parisiens environ et ceci jusqu'en 1859. Des personnages célèbres s'y trouvent dont Robespierre, Danton mais aussi la marquise de Pompadour ...

D'autres dépôts ponctuels ont été faits, comme les restes des victimes d'août 1788, ou des combats au château des Tuileries en août 1792, et plus tard des victimes de la Commune.

C'est le vicomte de Thury, inspecteur général des carrières de 1808 à 1831 qui a organisé la mise en scène de cet espace où les ossement avaient d'abord été déposés "en vrac". Les restes sont présentés sous forme de "murs d'ossements" avec les tibias et les fémurs bien calés les uns sur les autres. Des crânes, disposés "artistiquement" forment des sortes de frises. Les os plus petits sont derrière et parfois jusque plusieurs dizaines de mètres en arrière. Des plaques indiquent au fur et à mesure la provenance des ossements. Des citations philosophiques en rapport avec la mort ponctuent le parcours.

Dès le XIXè siècle des visites ont été organisées. Un trait noir sur le ciel de carrière (le plafond) permettait de suivre une sorte de fil d'Ariane pour ne pas se perdre ! Aujourd'hui il y a toujours le trait noir mais on a installé l'électricité et de nombreuses galeries sont rendues inaccessibles aux curieux.

Une curiosité : la galerie de Port-Mahon

Les sculptures de la galerie de Port-Mahon sont l'œuvre d'un carrier dénommé Décure, vétéran des armées de Louis XV, qui sculpta dans la paroi une maquette de la forteresse de Port-Mahon, ville principale de l'île de Minorque aux Baléares où il aurait été un temps prisonnier des Anglais. Il est mort sous les décombres d'une galerie d'accès à ses oeuvres qu'il était en train de creuser.

Est-ce un lieu où y emmener des élèves ?

Je ne suis pas sûre que ce soit une bonne idée. La guide-conférencière du musée Carnavalet m'a indiqué que des enseignants viennent avec des classes mais que parfois il faut faire remonter des élèves, ou les faire passer par des galeries différentes pour éviter l'ossuaire ! Par contre pour nous enseignants, c'est un lieu tout à fait enrichissant pour la connaissance de Paris.

Pour en savoir plus sans se déplacer :

un site très bien documenté permet d'avoir de nombreuses précisions :

Commémoration de la rafle du Vel d'Hiv

Bruno Modica — 2010-07-11T08:57:18Z

Les 18 juin, combats et commémorations

Bruno Modica — 2010-06-06T21:42:44Z

Bulletin d'inscription à retourner ou à faxer (01 44 18 66 99) avant le 12 juin 2010 Fondation Charles de Gaulle, 5, rue de Solférino, 75007 paris

Voir le détail dans le document PDF Joint

Accueil Bernard Accoyer président de l'Assemblée nationale

Pierre Mazeaud président de la Fondation Charles de Gaulle Les 18 Juin de guerre

Présidence : Mme Claire Andrieu et M. Daniel Cordier
Le contexte des 18 Juin dans le monde en guerre Maurice Vaïsse (IEP Paris)

De l'appel du 18 juin 1940 à l'appel « A tous les Français » Jean-Louis Crémieux-Brilhac (Fondation Charles de Gaulle)

Les discours des 18 Juin de guerre : construction de la geste Jean-François Muracciole (université de Montpellier-Paul Valéry)

L'Appel dans les publications de la Résistance intérieure Guy Krivopissko (conservateur, Musée de la Résistance nationale)

L'Appel dans la dimension légendaire de la Résistance Pierre Laborie (EHESS)

Les 18 Juin depuis la guerre

Présidence : MM. Serge Berstein et Pierre Lefranc
1945, le 18 Juin de la victoire Philippe Oulmont (Fondation Charles de Gaulle)

Des 18 Juin « de souveraineté quand même » 1946-1957 Danielle Tartakowsky (université Paris VIII)

Le parti communiste et le 18 Juin pendant la IV e République Jean-Jacques Becker (Historial de la Grande Guerre)

Sous la V e République : les 18 Juin présidés par de Gaulle Sudhir Hazareesingh (Balliol College, université d'Oxford)
Les 18 Juin des successeurs, de Pompidou à Sarkozy

Le 18 Juin et sa commémoration

Présidence : MM. Robert Frank et Yves Guéna

Les organisateurs et le Mont Valérien Vladimir Trouplin (historien, Musée de l'Ordre de la Libération)

Le 18 Juin au village Rémi Dalisson (université de Rouen)

Les monuments du 18 Juin Annette Becker (Paris Ouest ; Institut universitaire de France)

Le 18 Juin enseigné Hubert Tison (Association des professeurs d'histoire et de géographie)

Le 18 Juin et les Français

L'acte résistant : dimensions intellectuelle et morale. Alain Larcan (président du conseil scientifique de la Fondation Charles de Gaulle)

Le 18 Juin dans les actualités filmées et télévisées (INA) Evelyne Cohen (ENSSIB-université de Lyon) et Danielle Tartakowsky (université Paris VIII)

Table ronde

L'Appel, entre histoire et mémoire, présent et avenir

Avec Pierre Mazeaud, Pierre Lefranc, Pierre Nora, Laurent Wirth, Alexandre Duval-Stalla, Anthony Arciero, Elsa Pincet. Julian Jackson (université Queen Mary, Londres)

La place du 18 Juin dans l'ensemble des fêtes et journées nationales, concurrence ou complémentarité ? André Kaspi (université Paris I)

CENTRE POMPIDOU-METZ « Chefs d'œuvre ? »

Marielle Barascud — 2010-06-06T12:19:13Z

CENTRE POMPIDOU-METZ

Compte-rendu de visite Marielle Barascud

PRÉAMBULE

Rapport intérieur/extérieur : une expérience inattendue…

Sans trop vous importuner avec la relation de mon épopée messine, je vous dirais seulement que je me suis rendue dans cette belle ville lors d'un séjour à Paris, sur un coup de tête, après avoir entendu le jour de l'inauguration aux informations radiophoniques que l'on pouvait voir accrochées aux cimaises du « nouveau Centre Pompidou » les « Trois Bleu » de Miró . Connexion Internet : 1h 20 de trajet en TGV au départ de Paris-Est, je prends. Le tour est joué, j'arriverai à Metz Ville le vendredi 14 mai à 10h 08. Une passerelle relie la gare SNCF au Centre Pompidou-Metz en 2-3 mn. Pour retarder mon plaisir, le Centre n'ouvre que dans une petite heure, je me dirige dans la direction opposée, celle du centre ville. (photo 1)

Un peu avant 11h, je rebrousse chemin, impatiente. Mon impatience se calme vite. Je n'avais entendu que partiellement les informations : pour fêter l'ouverture du Centre, démocratiser la culture, bluffer le citoyen (qui a déjà payé et paiera encore longtemps), l'entrée est gratuite : ça se bouscule au portillon ! Je n'attendrai pas moins de 3h 15mn (photo 4), attente utile pour observer les abords immédiats

(photos 2 et 3). Devant être à Paris à 20h, mon trajet retour est à 17h 55 : je passe autant de temps à l'extérieur qu'à l'intérieur du Centre…

Voir Miró… et courir ! En me rendant à Metz, j'avais bien sûr l'intention de voir un peu plus que les « Trois Bleu » de Miró. Malgré l'attrait du titre générique prometteur (accrocheur ?) de l'exposition, « Chefs-d'œuvre », j'avais surtout envie de découvrir l'architecture, son espace et son rapport avec celui d'exposition, comment le Centre avait été pensé, travaillé, réalisé, quelle démarche avait dicté le choix des (chefs-d')œuvres.

Je sais d'expérience que ce n'est pas en si peu de temps que l'on peut voir et analyser 4 expositions rassemblant au total quelques 800 œuvres. Vous l'aurez compris, mes péripéties expliquent aussi l'incomplétude de ce compte-rendu. Pour cause de foule, je n'ai pas suivi le parcours conseillé. J'ai visité le rez-de-chaussée (où sont exposés les fameux Miró) au pas de course, avant de partir… Les photographies sont aussi peu systématiques que le compte-rendu. Quelques-unes sont floues ou trop sombres, j'ai voulu les conserver par rapport à un propos.

« Che fare ? »

J'ajoute enfin, pour me dédouaner davantage, que je n'avais volontairement lu, écouté ou regardé aucun article ou reportage traitant exclusivement du Centre dans la perspective d'une visite prochaine que je souhaitais préserver autant que possible de toute idée préconçue.

Pour finir, si vous attendez une visite guidée, vous allez être déçu. Vous pouvez tous être informés des aspects techniques, au sens large, du Centre Pompidou-Metz, aussi cet exercice est davantage le fruit d'une observation-analyse personnelle et professionnelle de l'outil musée qu'une description informative de l'écrin et de ses joyaux… Cette expérience soulève énormément de questions muséologiques et muséographiques. Si certains d'entre vous ont lu le compte-rendu récent de l'ouvrage « Les musées d'art moderne et contemporain, une exploration conceptuelle et historique » de J. Pedro Lorente paru sur le site de la Cliothèque , ils trouveront avec celui-ci une suite logique, sinon, il pourra également faire office d'introduction !

ARCHITECTURE / ARCHITECTURES

J'enfonce une porte ouverte (je ne pouvais pas la laisser passer…) en avançant que la structure imaginée par l'architecte japonais Shigeru Ban travaille l'espace dans une dialectique dedans/dehors. Le principe de l'auvent, les matériaux utilisés pour sa structure et sa couverture y contribuent. Pas seulement : la lumière œuvre aussi dans ce sens. Elle circule abondamment dans l'ensemble du bâtiment, directe, reflétée ou rasante

(photos 5-6-8-9)

Pourtant, j'ai eu le sentiment d'un manque d'unité dans l'échelle et une disparité des éléments architecturaux entre eux. Peut-être à cause de la double nature morphologique, organique et végétale, de l'édifice ? Dans ma longue pérégrination (longue file très serpentine !), j'ai pu observer attentivement les piliers de bois qui soutiennent l'auvent. Une étrange impression de légèreté et de massivité se dégage de la combinaison des faisceaux de poutres en éventail et de leur fixation. Un sentiment de mouvement est accentué par les fameux modules hexagonaux de la couverture déclinés à l'infini notamment dans la charte graphique de l'institution (photo 21).

Ils forment une sorte de claie extensible figurant et traduisant à la fois le changement, la simplicité et la sophistication, l'hexagone se transformant en étoile par jeu optique. C'est un motif qui nous est familier et qui a surtout l'intelligence d'appliquer un dessin à un volume.

L'architecture du bâtiment est très largement pensée par rapport à sa destination, évidemment. Mais curieusement, on a quelquefois le sentiment que le contraire est forcé. L'environnement paysager et architectural est tellement présent qu'il semble avoir induit jusqu'aux choix des œuvres et à leur présentation. Oui, la vue, l'ouverture sur la cathédrale est belle, fatalement. Une sentinelle ? Un faire-valoir ? Un dialogue ? Une vision platonicienne ? Et Dieu dans tout ça ?… Quelques éléments de réponse (plutôt de réflexion bien sûr) tout au long de notre visite. Le titre de ce paragraphe répond en partie à cette question. À plusieurs reprises, l'espace s'ouvre de manière fort éloquente sur le paysage urbain environnant et plus particulièrement sur la cathédrale.

PRÉSENTATION SOMMAIRE DES QUATRE EXPOSITIONS

On l'a vu donc, le titre générique de l'exposition est « Chefs d'œuvre ? ». Elle comprend quatre volets déployés sur quatre niveaux, que l'on nous conseille vivement ce jour-là de visiter du troisième étage au rez-de-chaussée, autrement dit du présent vers le passé. Certainement cette recommandation n'est-elle justifiée que par de simples mesures de sécurité en raison de l'affluence particulièrement importante. Mon sens muséographique en éveil, je me demande pourquoi l'inverse ? Pourquoi remonter aux sources ? Veut-on nous faire entendre le sens historique de l'œuvre en général ? Estime-t-on nécessaire par ce biais de justifier ou a-t-on besoin de légitimer le présent par le passé ? Etc. On = le/les commissaire/s bien sûr ! Mais je reste trop observatrice. Effectivement, je comprendrai plus tard que cette indication n'est due qu'à l'affluence des premiers jours. La plaquette distribuée présente l'exposition historique comme la première à visiter et la galerie 3, du troisième étage, comme la dernière…

L'ordre dans lequel j'ai effectué la visite : Galerie 1 (Niveau 1) : « Histoires de chefs-d'œuvre » Galerie 2 (Niveau 2) : « Rêves de chefs-d'œuvre » Galerie 3 (Niveau 3) : « Chefs-d'œuvre à l'infini » Grande Nef (Rez-de-chaussée) : « Chefs-d'œuvre dans l'histoire »

Mais je rétablis dans ce compte-rendu l'ordre préconisé par le livret (normalement) distribué.

« CHEFS-D'ŒUVRES DANS L'HISTOIRE » , Grande Nef, où l'on perçoit un hommage appuyé à la ville de Metz, la Lorraine, ses créateurs et quelques autres notions inspirées par le thème…

Comme dit supra, j'ai parcouru cette section au pas de course. Elle se clôt par les « Trois Bleu » de Miró (photo 42) et « La Tristesse du Roi », d'Henri Matisse, 1952.

On finit donc comblé !

C'est un parcours où l'on ne veut oublier personne. Cette section, outre le fait de rendre hommage aux artistes et artisans d'exception de Metz et sa région, traite ostensiblement de l'apparition de la notion de chef d'œuvre. La Ville de Metz, sans laquelle rien n'aurait pu se faire, reçoit un vibrant hommage. Je ne pense pas que la culture soit par essence parisienne. Je pense nécessaire de le préciser pour d'éventuels esprits chagrins ! Malgré tout, cet hommage à la région Lorraine dans son ensemble ressemble à un collage, je le trouve un peu tiré par les cheveux. Ou alors, j'ai mauvais esprit, ce qui n'est pas exclu !

Certes, l'École de Nancy a eu son compte de célébrités, produit des chefs-d'œuvre, c'est le moins que l'on puisse dire. Le territoire lorrain a connu des artistes prestigieux à redécouvrir… « Redécouvertes de chefs-d'œuvre » : Ligier Richier, sculpteur du XVIe siècle, Jacques Callot, dessinateur et graveur du XVIIe siècle et Georges de La Tour, peintre du XVIIe siècle. C'est pourtant dommage que le La Tour exposé (photo 35)

vienne du Louvre mais on comprend qu'aucun musée de la région n'ait voulu se déposséder du chef-d'œuvre qui lui garantit un large public. Les œuvres choisies sont théâtralement présentées, théâtralité jouée par l'éclairage et la scénographie. Je suis peut-être (sûrement) passée trop vite mais je n'ai pas vu de peinture de Claude Gellée dit Le Lorrain ? Assez rapidement dans le parcours s'impose le sentiment d'une situation historique nécessaire, sortes de légitimation s réciproques. Une salle entière est consacrée au « Chef d'œuvre inconnu » et à Balzac. On a même droit à sa canne (photo 36)

et à sa robe de chambre moulée par Rodin pour en faire sa sculpture. Ce parcours labyrinthique ne recule devant aucun effet : d'un gigantesque lustre en cristal (photo 38) à quelques pans d'accrochage XIXème (photo 41),

de peintures monumentales de Delaunay, au « Picasso » de Clouzot (photo 37),

en passant par la suspension spectaculaire au plafond d'un gigantesque miroir (photo 40),

rien n'est trop fort pour conquérir le spectateur, le happer, l'ensorceler. Il y en a beaucoup, il y en a trop.

Encore une fois, j'ai visité cette partie au pas de course mais il me semble que l'âme de l'exposition se perd dans le nombre des œuvres. Je n'approuve pas forcément un accrochage minimal mais encore moins une présentation bavarde.

« HISTOIRES DE CHEFS-D'ŒUVRE »

Galerie 1, où mon ironie renifle/respire dans l'œuvre de Giuseppe Penone une odeur d'autocélébration…

Dès l'entrée, le ton est donné : une œuvre de Penone, « Respirare l'ombra », 1999, espace clos, sorte de grotte aux murs de feuilles de laurier. Les feuilles sont amassées et retenues dans des cubes de grillage. Sur une paroi, des poumons formés de feuilles de laurier en bronze… Doit-on penser à Apollon et Daphné ? Prendre les lauriers comme ceux d'une gloire ? Le fait est que cette entrée en matière est étouffante, je me sens contenue. C'est la première œuvre que je vois… Est-ce un chef-d'œuvre ? Les poumons parlent-ils du souffle de la vie ? Toutes les œuvres ont un cartel développé. Celui de l'œuvre de Penone invite à l'introspection. Oui, mais peut-on aller jusqu'à la contemplation, notion honnie en art contemporain ? Les rapprochements des œuvres sont tour à tour chronologiques, formels, thématiques… L'œil rebondit souvent, il est surpris. Dans un premier temps, cela m'a plu, je découvrais des œuvres connues sous un jour nouveau. Petit à petit, ce ricochet permanent place les œuvres dans la nécessité d'un regard nouveau sinon inutile, chaque œuvre n'existant que par rapport à celle qui la fait découvrir, qui la questionne.

Toroni/Newman, Mosset/Pevsner, Molnar/Tinguely… (photo 10)

Le pèlerinage continue… Une salle vouée à la musique : « L'orchestre », 1953, de Nicolas de Staël avec, au mur, un texte de Pierre Boulez, duquel on entend une composition. Dans une niche, une œuvre commandée à Patrick Neu par le Centre Pompidou-Metz « Ange musicien »... Tout le monde foule allègrement au pied et sans scrupule « 144 Tin Square », 1975, de Carl Andre, entre la salle de Nicolas de Staël et celle où est projeté « Un dimanche à la campagne »… Une salle surréaliste, une salle Brancusi, le fameux « Sleep » d'Andy Wharol sans oublier une salle d'hommage à Marcel Duchamp, c'est tout au moins comme cela que son éclairage et sa scénographie me l'ont fait percevoir (photo 12), une très belle alcôve avec un dessin de Man Ray, un collage de Raoul Hausmann et des bois flottés de Hans Arp. Un silence bienfaiteur avec un angle où sont accrochés Michaux, Brauner, Artaud, Brassaï, Fautrier et Giacometti, face au tonitruant Martial Raysse déployé sur plusieurs mètres.

Une salle conçue par Charles Dantzig interroge étonnamment la notion de chef d'œuvre : passe en boucle un extrait du film « Inglorious Basterds », 2009, de Quentin Tarrentino où un des protagonistes dit : « ça pourrait bien être mon chef-d'œuvre ». Un fauteuil ayant appartenu à Stéphane Mallarmé appuie le propos. Face à cette salle, le magnifique « Atelier au mimosa » 1939-1946, de Pierre Bonnard. Pourquoi là ? Le classique tandem sculpture début XXème/sculpture africaine ne manque pas à l'appel avec Lipchitz. Ponctuant/articulant l'espace vital et problématique de l'exposition, trois œuvres monumentales : « Le Magasin », 1973, de Ben, « Precious Liquids », 1992, de Louise Bourgeois et « Dream Passage with Four Corridors », 1984, de Bruce Nauman. A l'instar de l'œuvre de Penone vue à l'entrée de la galerie, il semblerait que ces trois autres interrogent aussi, à des degrés, et surtout à des sens, différents la notion d'espace (réel, émotionnel, social, etc.).

« RÊVES DE CHEFS-D'ŒUVRE »,

Galerie 2, où l'œuvre laisse la place au concept pour le triomphe de l'Institution…

Un très long couloir, 3 travées. On entre dans la plus petite qui est aussi la plus sombre. Très peu d'éclairage, seulement celui d'une fente horizontale, scandée de meurtrières avec vue aménagée sur chefs-d'œuvre. Ordre chronologique : de Lavier à Méliès et retour (photos 16-17).

Entre les deux : Dubuffet, Klein, Giacometti, Arp, Pollock, Ernst, Picasso, Kandinsky, Bellmer, Brancusi, Gonzalez, Man Ray, Léger, Picabia, Taeuber, Duchamp-Villon, Malevitch, Braque, Kupka, Chagall, Rodin, Ouf ! Et tout ce petit monde en ringuette, maté de derrière les meurtrières avec kit pédagogique. Je m'explique : dans le petit couloir par lequel je suis arrivée, sur le mur opposé au mur aménagé de fente et meurtrières, se trouvent des cartels développés face à chaque œuvre. Compréhension assurée, rien ne peut échapper au spectateur ! S'il ne fait pas l'œuvre, au moins on lui fait le cartel. Chacun est composé d'éléments variés : croquis préparatoires à l'œuvre, entretien filmé avec l'artiste, documents divers concernant l'œuvre de près ou de loin (en l'occurrence, c'est quand même toujours de loin puisque de l'autre côté du mur et à au moins 8m !). Chaque document est « mis en page » graphiquement au mur. Noté pour vous sur un de ces fameux cartels : « En 1936, " Plans verticaux I " est la première œuvre de Kupka à être achetée par l'État. Cette acquisition entérine son statut de chef d'œuvre de l'abstraction géométrique, jalon majeur de la création picturale du premier XXème siècle jusque-là absent des collections nationales. […] »

Je vous épargne mon commentaire.

Dans la travée opposée, une exposition fort intéressante propose un historique des lieux d'exposition d'art moderne et contemporain de 1937 à nos jours par la présentation de maquettes, croquis et entretiens filmés.

À bien y réfléchir, cette Galerie 2 est construite comme une église : nef + bas-côtés ; un bas-côté réservé à la pédagogie, celui où sont les cartels, un autre réservé à l'historique des institutions vouées à l'art moderne et contemporain, et au centre, les chefs-d'œuvre. À croire que seules l'histoire et l'institution conjuguées peuvent couronner une œuvre, la coiffer !

Oui, ajoutée au document cité supra concernant l'œuvre de Kupka, cette constatation me semble s'imposer. Et la question se pose de l'œuvre dans tout ça ? Quelle vie peut-elle mener en dehors de l'institution, de sa reconnaissance, et l'artiste avec elle ? Ne jamais oublier l'œuvre, sa conception, sa fabrication. C'est le premier acteur du monde artistique. On peut bien sûr s'interroger sur la notion d'œuvre avant même celle de chef d'œuvre.

« CHEFS-D'ŒUVRES À L'INFINI »,

Galerie 3, où la cathédrale se livre tout entière comme le chef d'œuvre (la réponse ?) de l'exposition…

Encore un couloir. À gauche, Jazz de Matisse, la série complète. Toujours de l'émotion à les voir. Faits hier, bien plus frais que beaucoup d'œuvres plus récentes. Lui faisant face, Aurélie Nemours et Ellworth Kelly (photo 22),

héritiers de la couleur découpée. Le couloir se ferme et on pénètre dans un autre, beaucoup plus sombre. L'ensemble des visiteurs reste pantois. Sur la droite, une vitrine traitant de la transhumance, remplie de sonnailles suspendues, hommage à Georges-Henri Rivière, pape de la muséographie, est flanquée d'un extrait de texte de ce concepteur génial du Musée des Arts et Traditions populaires. Plus loin, une phrase de Malraux… Perpendiculairement, une autre vitrine rassemble des chefs divers, diverses époques, matières, provenances, auteurs connus ou anonymes, la tête sous toutes ses formes : masque, crâne, tête, etc. (photo 23).

À proximité, une citation de Malraux : « Nous ne pouvons sentir que par comparaison ». Face à cette longue vitrine, un mur barre l'espace, quasiment aveugle, sauf une meurtrière où apparaît… la cathédrale. Sur le mur, à sa droite, une citation d'Asger Jorn : « Il ne nous reste, en Europe, que deux possibilités : être sacrifiés ou sacrifier. À vous de choisir entre le moment historique et l'acte qui le mérite. » Au-delà de la question du chef-d'œuvre, se pose ici celle du musée et de ses hommes. Après Georges-Henri Rivière, André Malraux, c'est Harald Szeeman. Veut-on leur rendre hommage ? Les convoquer, les invoquer ? Je trouve décidément l'institution très présente.

Suite à ces évocations, derrière le mur à meurtrière, la salle s'ouvre, la lumière entre à flots dans une perspective accentuée par les murs bâtis selon une trajectoire oblique (photo 27).

Sur la droite, les salles deviennent alcôves puis niches. Elles rapetissent au fur et à mesure abritant des œuvres qui se rapprochent par un comportement manifestement compulsif des artistes. Taxinomie, répétition, dédoublement semblent animer une partie des œuvres choisies. Cette sensation est poussée jusqu'au malaise par la projection en boucle d'extraits de trois films d'Alfred Hitchcock où l'on voit sur chacun une femme dans un musée (« Vertigo », « Body Double » et « Dressed to kill »). La lumière est largement diffusée dans ce vaste espace, tellement que des œuvres de Man Ray , « L'œil » et « Les Larmes », 1932, sont présentées sous des tissus que l'on doit soulever pour voir (photo 25).

Au fur et à mesure de l'avancée vers la large baie, où l'on peut voir la cathédrale que l'on n'atteindra jamais, semble se préciser une thématique de la nature, d'abord littérale puis se rapprochant d'une idée de nature se fondant avec le paysage « contenant » la cathédrale et se rapprochant finalement d'une nature diluée, aspirée par/dans l'atmosphère (photo 26). Cette double mise en perspective de l'espace et des œuvres se termine par une petite statue équestre dans une petite niche en plexi : c'est la copie de la statue équestre de Charlemagne qui fait partie du Trésor de la cathédrale de Metz, celle qu'on a précisément sous les yeux. Le cheval nous y amènerait-il ?... (photos 29-30)

Dans le couloir en sortant, un texte de Guy Debord « De chef d'œuvre à ordinaire et vice-versa ».

Et c'est la fin, avec le mur des prêteurs que l'on remercie… Je lis, entre autres, « Le Louvre Abou Dhabi »…

Le mot de la fin revient à Marcel Duchamp : « Le mot exposer ressemble à épouser ».

C'est une exposition que l'on nous a montré et non des œuvres. Certes, des œuvres ensemble font sens, peuvent faire sens, mais Yves Michaud a posé depuis longtemps la question de la place du commissaire et de l'artiste.

La descente est vertigineuse (photos 31-32-33-34).

APPELLATION CONTRÔLÉE

Il faut maintenant se poser la question du terme « musée ». Le Centre Pompidou-Paris (on doit dire comme ça aujourd'hui, mais demain ?) fait partie du Centre National d'art et de culture mais c'est un musée, le Musée National d'Art Moderne (MNAM). Ses usagers, les gens qui y travaillent au quotidien disent « Le Centre ». Le terme « Beaubourg » date de ses débuts pour le signifier plutôt par un lieu que par un président. Mais le Centre Pompidou-Paris, j'ai vu sur Internet l'appellation « Centre Pompidou-Beaubourg », n'est pas qu'un musée, c'est précisément ce qui a porté le projet initial. C'est aussi la BPI, Bibliothèque Publique d'Information et l'IRCAM, Institut de Recherche et de Coordination Acoustique/Musique. Il a aussi des espaces dévolus au cinéma et aux conférences. On y trouve une librairie, un bar-restaurant (devenu fort onéreux) et une boutique. Son architecture a été conçue pour moduler les espaces, les ouvrir ou les fermer selon les envies et les besoins. En tant que musée, il a des collections, pléthoriques, dont il renouvelle régulièrement l'accrochage suivant des processus différents (chronologiques, thématiques, etc.) et monte des expositions avec des œuvres issues de ses propres collections et de collections extérieures (françaises et/ou étrangères, publiques et/ou privées). Il doit entretenir physiquement ses collections, effectuer un travail scientifique sur ses objets qui se traduit par la production d'expositions, de documents (catalogues, notices), et les montrer au public. Un centre d'art n'a pas de collection. Son travail d'exposition est plutôt tourné vers des œuvres plus jeunes, plus expérimentales (plus novatrices ???) que celles montrées dans les musées d'art contemporain. Mais vous devez savoir que les avis des conservateurs de musées d'art contemporain divergent sur cette question.

Le Centre Pompidou-Metz semble se positionner à mi-chemin, une institution hybride. Par ailleurs, on est tenté de dire « Centre Pompidou-Paris » alors que le c'est le Centre de Metz qui se définit pas rapport à celui de Paris et non le contraire. Il ne s'agit pas non plus d'un rapport d'équivalence. Metz dépend de Paris en ce sens qu'il n'a pas de collection propre. Mais il est amené à monter des expositions en totale indépendance des collections parisiennes. Il a une existence autonome. La majorité des œuvres de l'exposition inaugurale (80 %) appartient au MNAM, le reste a été emprunté à des musées français ou étrangers, des collections publiques ou privées. Quelques œuvres ont fait l'objet d'une commande de la part du Centre Pompidou-Metz. Dans quelle collection atterriront-elles à la fin de l'exposition ? Le CPM a-t-il prévu des locaux pour des réserves ?

DOCUMENTATION

La liste pourrait être très longue. Je vous incite vivement à passer du temps sur les sites respectifs des deux institutions « pompidoliennes » ! L'article de Wikipédia est bien pour l'architecture. Deux catalogues et une revue édités par le Centre traitent des expositions. N'hésitez pas à me contacter si vous avez besoin d'éléments bibliographiques sur les thèmes abordés dans le compte-rendu.

http://www.centrepompidou.fr/

http://www.centrepompidou-metz.fr/ http://fr.wikipedia.org/wiki/Centre...

« Chefs-d'œuvre ? Architectures de musées 1937-2014 », sous la direction de Philip Jodidio, Laurent Le Bon et Aurélien Lemonier, éditions du Centre Pompidou-Metz, 240 pages, relié, 39€. « Chefs-d'œuvre ? L'album », éditions du Centre Pompidou-Metz, 64 pages, broché, 9€.

À paraître :

« Chefs-d'œuvre ? », catalogue de l'exposition, sous la direction de Laurent Le Bon, éditions du Centre Pompidou-Metz, 568 pages, relié, 49€.

ATTENTION !

Si vous désirez vous rendre au CPM, j'espère avoir aiguisé votre appétit culturel et votre curiosité malgré mon regard souvent trop critique, je sais, notez que les 4 expositions ne terminent pas à la même date. La première à fermer est celle de la Grande Nef (Rez-de-chaussée) : « Chefs-d'œuvre dans l'histoire », le 25/10/2010. Consultez le site du Centre !

À l'heure où je boucle cette page, je n'ai toujours pas lu ou entendu de commentaires circonstanciés sur le sujet (seulement podcastés ou stockés sur mon bureau pour le moment…), dans le seul but de vous livrer ma réflexion en l'état… Tant pis pour vous !

L'Espagne entre Paris et Rome.

Bruno Modica — 2010-05-26T17:23:44Z

L'Espagne entre Paris et Rome. Regards croisés d'une Europe des arts (1700-1900)

Colloque international : Rome 23-24 juin ; Paris 25-26 juin ; Madrid 5-7 juillet 2010

Du 23 juin au 7 juillet prochains se tiendront successivement à Paris, Rome et Madrid les sept journées de séance d'un colloque exceptionnel consacré à la place de l'Espagne dans la géographie artistique européenne des XVIIIe et XIXe siècles. Cette initiative, que l'on doit au Colegio de Espana de Paris, mérite d'être saluée, étant donné son ambition, sa pertinence et la qualité d'un partenariat qui rassemble la Real Academia de España (Roma), la Casa de Velázquez (Madrid), la Residencia de Estudiantes de Madrid, l'Institut National d'Histoire de l'Art (París), l'Université Paris 1 Panthéon‐Sorbonne, l'Universidad de Cantabria (Santander) et le Groupe Histoire de l'Architecture et des Mentalités Urbaines (Paris). Avec les colloques internationaux organisés à l'Institut National d'Histoire de l'Art (Le public et la politique des arts au siècle des Lumières17-19 décembre 2009) et à la Villa Médicis (Palazzo Mancini, l'Académie de France à Rome au XVIIIe siècle, 3-6 mars 2010), cette rencontre triangulée témoigne du dynamisme actuel de l'histoire européenne de l'art du XVIIIe siècle qui a su, en moins de trente ans, renouveler complètement ses horizons problématiques et ses méthodes à l'appui d'un dialogue international effectif et efficace. (Présentation de Christophe Henry)

Coordination scientifique

Luis Sazatornil Ruiz, profesor titular de la Universidad de Cantabria (sazatorl@unican.es)

Frédéric Jiméno Solé, Chargé d'enseignement en histoire de l'art, université Paris 1 Panthéon-Sorbonne (frdjimeno@gmail.com)

Coordination administrative et contact

Stéphanie Migniot Responsable des Activités culturelles Colegio de España Cité Internationale Universitaire de Paris 7E, bd Jourdan, 75014 Paris

Téléphones
00 (33) 1 40 78 32 96
00 (33) 1 40 78 32 96
00 (33) 1 40 78 32 96
00 (33) 1 40 78 32 96 Télécopie
00 (33) 1 45 80 39 58

Libre participation.

Présentation de Frédéric Jiméno Solé : Quelques observations sur les transferts culturels entre la France et l'Espagne au XVIIIe siècle

Dans la perspective d'une étude des transferts culturels, l'Italie et, en particulier, la ville de Rome occupe une place considérable dans l'histoire de l'art espagnol. Malgré cela, on se doit de rappeler la nouvelle importance que les modèles français vont prendre en Espagne dès la fin du XVIIe siècle, sous le règne de Charles II (1665-1700). Il semble que dès le règne de Charles IV (1789-1808), Paris ait exercé une influence croissante pour devenir primordiale à la fin du XVIIIe siècle et pendant tout le XIXe siècle. Dans cette évolution, qui s'est essentiellement faite au détriment de la Flandre et des Pays-Bas, le rôle de ces deux villes, Rome et Paris est essentiel et éclaire les changements opérés dans l'art espagnol.

Ouvrir de nouveau le débat offre l'occasion de traiter des points jusque-là peu étudiés ou occultés. Il en va ainsi de l'importante communauté française qui résidait à Rome au XVIIIe siècle, de la vitrine politique qu'était l'Académie de France, des artistes français qui profitèrent des liens existants entre Rome et l'Espagne pour introduire dans la péninsule ibérique des modèles de toute sorte… Une autre piste de réflexion pourrait être une meilleure appréciation du rôle de l'importante communauté d'artistes espagnols, essentiellement des peintres, qui nouèrent au XIXe siècle des liens étroits avec le marché de l'art parisien. Une fois introduits dans la péninsule, ces modèles enrichissent durablement la culture visuelle des artistes espagnols dans des proportions qui parfois ont pu surprendre.

Le colloque d'histoire de l'art que nous souhaitons organiser sous l'égide du Collège d'Espagne et des institutions qui voudront bien nous apporter leur aide, se veut avant tout être l'occasion d'une médiation transversale de la recherche, tant espagnole que française. Il s'agit aussi de rendre plus lisible la recherche espagnole et de permettre aux participants de nouer des liens avec leurs collègues français et italiens.

PROGRAMME Mercredi 23 et jeudi 24 juin 2010, à Rome

Real academia de Espana en Roma "Rome. Académie et enseignement" Vendredi 25 et samedi 26 juin 2010, à Paris

"Paris. Capitale des arts au XIXe siècle ?"

1ère journée : Paris, INHA, 18,00h. Table ronde : L'hispanisme français en histoire de l'art. Regards croisés entre la France et l'Espagne Présentation du colloque : Luis Sazatornil, Universidad de Cantabria Modérateur : Frédéric Jimeno, Université Paris 1 Avec la participation de : Véronique Gérard Powell, université Paris IV ; Esteban Castañer Muñoz, Université Perpignan ; Antonio Urquízar, UNED, Madrid ; Juan Calatrava, Universidad de Granada ; Pascal Julien, Université Toulouse-Le-Mirail ; Julien Lugand, Université Toulouse-Le-Mirail ; María de los Santos García Felguera, Universitat Pompeu Fabra, Barcelona.

2ème journée : Colegio de España, Cité internationale universitaire de Paris (CiuP), 7, Boulevard Jourdan, 75014 Paris, métro : Cité universitaire.

9,00 – Mot d'accueil : SE M. L'Ambassadeur d'Espagne. Directeur Colegio de España

Présidence de la 1ère table : Daniel Rabreau, Université Paris 1 9,30 – La nobleza española y Francia en el cambio de sistema artístico, 1750‐1850 Antonio Urquízar, UNED, Madrid 10,15 – Ideología e imagen del artista español del siglo XIX entre París y Roma Carlos Reyero, Universidad Autónoma de Madrid 11,10 – Pausa 11,30 – Des peintres français au Musée du Prado : la politique de la copie dans l'Espagne du XIXe siècle Geneviève Lacambre, Musée d'Orsay 12,15 – Les collectionneurs espagnols et l'hôtel Drouot au XIXe siècle Véronique Gérard Powell, université Paris IV 13,00 - Débat

Présidence de la 2e table : Juan Calatrava, Universidad de Granada 15,00 – Los escritores románticos y los orígenes del 'patrimonio' : España-Francia, 1820-1860 Juan Calatrava, Universidad de Granada 15,45 – Arte y técnica entre Roma y París. La formación cosmopolita de los arquitectos españoles en el siglo XIX Luis Sazatornil Ruiz, Universidad de Cantabria 16,30 – La arquitectura del hierro entre Francia y España Esteban Castañer Muñoz, Université Perpignan 17,15 – Pausa 17,45 – Un paraíso al sur de Europa : el arte y la construcción de la imagen turística Luis Méndez Rodríguez, Universidad de Sevilla 18,30 – El papel de París y los fotógrafos franceses en la fotografía española del siglo XIX María de los Santos García Felguera, Universitat Pompeu Fabra, Barcelona 19,15 – Débat

Du lundi 5 au mercredi 7 juillet 2010, à Madrid

Residencia de estudiantes / Casa de Velasquez

"L'art espagnol entre l'Italie et la France : influences, modèles, échanges"

Paris journal. Le quartier de la presse (XIXe – XXIe siècles)

Bruno Modica — 2010-05-18T06:42:59Z

Paris journal. Le quartier de la presse (XIXe – XXIe siècles)

25 mai – 21 août 2010

Commissaire : Patrick Eveno, professeur d'Histoire contemporaine à l'Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Mairie du 9e arrondissement

6 rue Drouot, Paris 9e

Métro Richelieu-Drouot

Exposition ouverte du lundi au vendredi de 9 h à 17 h, nocturne le jeudi jusqu'à 19 h 30, le samedi de 9 h à 12 h 30.

Objet : Des années 1830 aux années 1980, la presse anime un quartier situé de part et d'autre des Grands Boulevards. L'exposition se propose de retracer le monde de la presse à travers son inscription matérielle, sociale et culturelle dans la ville et plus précisément dans ce quartier des 2e et 9e arrondissements où étaient traditionnellement implantés les grands journaux.

Du fait de la disposition des salons de la mairie du 9e arrondissement, elle sera découpée en trois thèmes, eux-mêmes composés de deux sous-thèmes :

1. Le quartier et les immeubles 2. Les métiers et les techniques 3. Les sociabilités et la promotion

Trois cents documents seront présentés tels des affiches, cartes postales, calendriers, gravures, éventails, cendriers, maquettes, plaques émaillées, supports publicitaires, un kiosque à journaux de style 1900, films…

Un cycle de conférences est organisé à l'occasion de l'exposition : une conférence inaugurale sur le quartier de la presse à Paris, l'histoire de grands journaux à travers leurs immeubles (L'Équipe, rue du Faubourg-Poissonnière, Le Figaro, rue Drouot et boulevard Haussmann, Le Monde, rue des Italiens), une conférence sur le Syndicat du Livre et la vie ouvrière dans le quartier. Enfin, un débat réunira les acteurs de la presse pour évoquer son avenir.

Calendrier des conférences : Mairie du 9e arrondissement, de 19 h 00 à 20 h 30

Salle du Conseil

25 mai : Le quartier de la Presse, Patrick Eveno

1er juin : Le syndicat du livre, Sylvie Charlier

8 juin : Le Monde, Patrick Eveno

15 juin : Le Figaro, Jacques de Saint-Victor & Georges Potriquet

22 juin : L'Équipe, Gilles Montérémal

Table ronde : Salle Rossini

29 juin : Crise et renouveau de la presse

Qumrân, le secret des manuscrits de la mer Morte

Christine Galopeau de Almeida — 2010-05-14T20:17:15Z

Un bédouin, Mohammed dit « le loup », découvre en 1947, dans une grotte de Qumrân, au bord de la mer Morte, sept rouleaux de cuirs écrits en hébreu. C'est ainsi que débute la plus importante et incroyable aventure archéologique du XXe siècle. Voici le sujet de l'exposition qui se rdéroule dans la grande galerie du site F. Mitterrand du 13 avril 2010 au 11 juillet 2010.

La muséographie traite le sujet de façon assez dynamique et accessible à tous.

Des espaces sont consacrés aux textes qui étaient parvenus jusqu'à nous avant cette découverte, puis on peut voir des fragments de ces manuscrits. Certains sont de la taille d'un confetti ! Et le travail des épigraphistes est alors très utile et minutieux.

Non seulement on a des vidéos présentant les travaux scientifiques les plus récents, des bornes informatives, des ojets tactiles qu'on peut toucher : les supports de l'écriture à l'époque de Qumrân, des jarres, des céramiques... mais aussi l'aventure de cette découverte est racontée comme un reportage .

Des espaces ressemblant à des rouleaux posés verticalement permettent aux visiteurs de découvrir :
Les chasseurs de trésors avec les différents personnages impliqués dans la découverte et la mise au jour de ces précieux documents.

La saga de la découverte en pleine période "chaude" de la création de l'Etat d'Israël

La vie quotidienne à Qumrân avec les restes archéologiques

Qui étaient les habitants de Qumrân ? avec les interprétation divergentes : étaient-ce le membres de la secte des Esseniens ? ou les habitants d'une exploitation agricole, ou d'une forteresse ?

Les bornes informatives citées plus haut sont très intéressantes car elles expliquent certains documents avec 3 regards : celui des archéologues, des épigraphistes et des reporters. Le parcours pour les jeunes utilise d'ailleurs ces bornes.

L'ensemble est alors accessible à de élèves de 6è. Mais comme l'exposition est temporaire ; il faut espérer que le BnF mettra en ligne tout ce matériau comme elle a l'habitude de le faire !

Ressources en ligne :

Pas d'exposition virtuelle pour l'instant (à la date du 14 mai) mais on peut déjà consulter une vidéo lire l'article du magazine Chroniques

Information du 28 mai : dommage il n'y aura pas d'expo en ligne !!!

Pour les enseignants :

Les activités pédagogiques de l'exposition :

http://www.bnf.fr/documents/qumran_pedago.pdf

les fiches pédagogiques (qui sont aussi disponibles à l'espace pédagogique sur place) :

le mystère Qumrân

l'aventure de la transmission du texte biblique

Les écrits de Qumrân dans le monde juif du 1er siècle de notre ère

Le livret d'accompagnement pour les jeunes.

http://www.bnf.fr/documents/livret_accompagnement_qumran.pdf

Informations pratiques

Bibliothèque nationale de France Site François-Mitterrand - Galerie François 1er Quai François-Mauriac, Paris XIIIe

Du mardi au samedi de 10h à 19h, dimanche de 13h à 19h Fermé lundi et jours fériés.